Entrevista: Gabriel Keller

 

O músico francês Gabriel Keller é um artista que transcende géneros e fronteiras emocionais através da sua música. Com uma trajetória que passou por bandas como Hegoa, Kellerama, Pangea e Agapanth, Keller decidiu seguir um caminho a solo em busca de liberdade criativa. No seu mais recente álbum, Hope Despite Everything, Keller explora temas profundos como os horrores da guerra e a força da esperança, numa narrativa musical que cruza influências do rock progressivo, folk e música clássica. Nesta profunda entrevista, o músico partilha connosco as inspirações por detrás deste trabalho e a sua visão sobre a arte de contar histórias através da música.

 

Olá, Gabriel, como estás? Obrigado pela tua disponibilidade. Tiveste experiências em bandas como Hegoa, Kellerama e Agapanth. Quando e porque decidiste seguir a solo?

Olá, Pedro, as coisas não estão muito más! E tu? Muito obrigado por esta entrevista. Sim, já fiz parte de muitas bandas. Posso até acrescentar os Pangea, onde era o baterista. Mas com os Hegoa e os Kellerama, eram grupos onde eu já compunha muito. Com o tempo, apercebi-me que era muito frustrante estar sempre a trabalhar com os mesmos músicos. Não que eles fossem maus - longe disso. É que cada músico tem a sua própria área de especialização, digamos assim, e não gostam necessariamente de explorar géneros como eu gostaria de os explorar. A certa altura, senti-me bloqueado. Eu queria aprofundar mais o metal, outros queriam mais pop... e havia sempre alguém que não estava interessado. E eu percebo isso! Causou-me uma grande frustração. Muito mesmo. E é dessa frustração e da vontade de explorar vários géneros musicais que nasceu o meu projeto a solo. Tudo se conjugou em 2019 durante uma residência artística com a Hegoa, onde propus faixas que mais tarde se tornaram Clair Obscur (Sonate au Clair Obscur e Honey). Para alguns, era demasiado metal; para outros, era demasiado outra coisa... Nessa altura, houve um clique na minha cabeça: eu queria um projeto a solo onde pudesse fazer o que quisesse com quem quisesse. Esta é a premissa básica do meu projeto - não há músicos fixos, e cada faixa é criada com um artista de que gosto e que acredito ser o mais adequado para a faixa em questão. Para isso, inspirei-me imenso no primeiro álbum do Slash (Slash - 2010), onde cada faixa apresenta um cantor diferente que ele adora. 

 

Hope Despite Everything é o teu novo álbum e aborda temas profundos de guerra e esperança. Podes partilhar a inspiração por detrás deste álbum e que mensagem pretendes transmitir aos teus ouvintes?

A ideia de fazer canções sobre a guerra já me acompanha há muito tempo - pelo menos há 10 anos, desde que tive as ideias para The Letters 1 e 2. Não estavam tão bem desenvolvidas como no álbum e ainda não tinham letra! Mas a inspiração surgiu-me no metro de Lyon em 2014, durante o 70º aniversário do Dia D, quando vi um idoso veterano da Segunda Guerra Mundial sentado com todas as suas medalhas. À sua frente estavam três meninas que não paravam de gozar com ele. Na minha cabeça, não parava de pensar: é graças a ele que vocês têm a liberdade de gozar com ele... Achei tão injusta esta falta de respeito pelos mais velhos. Depois, quando comecei a trabalhar neste novo álbum, logo após o lançamento de Clair Obscur, disse a mim próprio que precisava de um conceito. Como sou apaixonado por história, lembrei-me das “cartas de poilus” da Primeira Guerra Mundial. Foi então que pensei que seria poderoso contar uma história através de cartas que uma mãe recebe do seu filho que foi para a frente de batalha. Ele partilha os seus tormentos, ansiedades e perguntas. Ela fala dos seus medos e preocupações, sem perceber bem porque é que ele está a lutar. Ele também não. Ela tem medo de o perder, e ele tem medo de se tornar um assassino. Musicalmente, podemos certamente citar os Pink Floyd (The Wall, Animals, The Division Bell), mas também The Alan Parsons Project (The Turn Of A Friendly Card), Porcupine Tree, Opeth... São bandas e álbuns que sempre me inspiraram. E, claro, os primeiros álbuns dos Queen! Quanto à mensagem, o objetivo é ser gentil e esperançoso apesar de tudo. Levanta a questão: porque é que lutamos? Porquê tantas mortes, muitas vezes por quase nada - apenas uma falha na comunicação. É essa a maldição da nossa espécie: a comunicação e a necessidade de aceitar a diversidade e a diferença. Pode ser uma visão simplista, mas ao ouvir os gritos de uma mãe desesperada, o medo... espero que isso possa levar à comunicação, à paz e à compreensão entre as pessoas.

 

A primeira parte do álbum apresenta uma atmosfera sombria e torturada, centrada nos horrores da guerra. Como é que garantiste que o peso emocional destes temas foi efetivamente comunicado através da música?

Muito boa pergunta! Bem, na verdade, eu componho a música primeiro. Tento mergulhar num estado que reflete as emoções que quero evocar nos ouvintes e mantenho esse estado durante todo o processo de composição. Há algo quase em transe na forma como componho. Entro numa bolha e desligo-me completamente do mundo. Não uso nenhuma substância - nem cigarros, nem pó, nem mesmo álcool. Mas quando estou nesse estado, posso sair com a sensação de estar pedrado ou bêbado, porque me deixo levar por uma espiral de emoções que muitas vezes me dominam. Também preciso de ouvir muito. Gravo muito e deito fora o mesmo. Quando encontro a expressão correta do que quero transmitir, reconheço-a rapidamente, ouvindo-a como se fosse um ouvinte externo. Já me disseram muitas vezes que tenho um estilo musical muito cinematográfico e que a minha música conta uma história por si só. Depois vêm as letras. Para mim, as letras servem as emoções que a música cria. Assim, uma vez terminadas as composições, organizei-as pela ordem que me pareceu mais adequada para contar a história. A partir daí, com Emi B a escrever uma grande parte das letras, aperfeiçoámos a ordem e determinámos o que cada texto iria transmitir na narrativa. Gosto desta pergunta porque em França a abordagem é muito diferente. Muitas vezes, é primeiro a letra e depois a música, mesmo que isso signifique que a música não tenha qualidade. A letra tem de ser boa. Mas eu sou um músico, não um poeta - preciso de sentir qualquer coisa. Preciso que o meu corpo seja transportado. Consigo perder-me na música, mesmo sem perceber a letra. Até já me senti tonto depois de uma sessão de audição com auscultadores. É uma forma tão poderosa de expressão artística, penso eu. E não consigo atingir essa sensação quando a música é feita apenas para apoiar a letra. Muitas vezes, não é suficientemente intensa para me comover.

 

Em contraste, a segunda parte do álbum muda para um tom mais animado. Podes descrever a transição dos temas sombrios da guerra para os temas mais brilhantes e esperançosos?

Portanto, ainda estou num ciclo de luz e escuridão. De facto, quero começar uma trilogia sobre claro-escuro. Gosto de contrastes e aprecio quando há sempre alguma forma de perspetiva positiva. A vida é assim - dura, complexa, injusta - mas há sempre algo de bom a encontrar em cada situação. Há sempre algo a aprender. Para esta segunda parte, quis concentrar-me na esperança. Começa com duas faixas que, musicalmente, podem parecer muito sombrias à primeira audição, mas que são, na verdade, uma viagem em direção a algo positivo. Há No Surrender, que fala sobre não ceder à barbárie. É por isso que se ouvem os discursos de De Gaulle e Churchill de junho de 1940, apelando à resistência. Estou a dizer a mesma coisa: não, não nos vamos render perante a injustiça. Segue-se Oppression, uma faixa em francês escrita pela minha amiga Lucie, que tem problemas de saúde graves. Na letra, ela explica como consegue viver com esta espada de Dâmocles a pairar sobre a sua cabeça - como o amor da sua família tem sido vital, como se sente apoiada e amada, e como este amor lhe permite seguir em frente na vida. A canção começa muito sombria, mas à medida que avança, torna-se cada vez mais leve. A doença dá lugar ao amor. Depois, há uma sucessão de faixas que falam de esperança: uma gota de água que se transforma num floco e consegue (Poussières Éternelles), ecologia e um mundo melhor (Change), uma viagem interior para encontrar a paz (Your Way) e, finalmente, Mahaut - uma canção de separação, mas que deseja apenas o melhor para a outra pessoa, porque o amor assume muitas formas. Mesmo musicalmente, gosto de contrastar composições muito sombrias e torturantes com outras muito mais leves e suaves, com harmonias tranquilizantes. Gosto de brincar com estes contrastes, e é por isso que esta segunda parte é mais inspirada no folk.

 

O álbum parece profundamente pessoal, particularmente em faixas como My Son e The Letter - Part 1 & 2. Quanto das tuas experiências pessoais influenciaram estas composições?

Felizmente, não passei por uma guerra, não perdi a minha mãe e ela não me perdeu. Mas conheci mães que perderam os seus filhos - especialmente uma cuja história me comoveu profundamente, porque não consigo imaginar nada mais difícil do que isso: perder um filho. Este é o ângulo narrativo que utilizei para realçar o absurdo da guerra. E depois, houve também a história do veterano do metro de Lyon. Teve um impacto profundo em mim. Achei-o tão injusto que me levou a escrever canções sobre a guerra e as injustiças que lhe são inerentes. Foram precisos 10 anos para que este desejo se tornasse realidade, mas esse tempo de maturação foi necessário! Na altura de gravar, pedi à Emi B, que canta estas três canções, que se colocasse verdadeiramente no lugar de uma mãe que perdeu os seus filhos. Como mãe, não foi fácil - é um sentimento horrível. Mas ela conseguiu mergulhar nesse estado ao ponto de derramar lágrimas no estúdio. Por isso, o mérito é todo dela, não meu. Outra influência da minha experiência pessoal, creio, é a leitura. Quando era criança, lia muitos livros - Júlio Verne, Barjavel... Estas histórias deixaram uma impressão duradoura em mim e inspiraram-me a contar histórias à minha maneira - histórias musicais! Mahaut é a peça mais pessoal para mim. É a única para a qual escrevi a letra e canto inteiramente (juntamente com a Lucie e a Charlotte no coro). É sobre a minha separação da minha namorada, uma separação que demorou cerca de dois anos a ultrapassar.

 

O álbum apresenta uma grande variedade de influências musicais, do rock progressivo ao clássico e ao folk. Como é que navegaste entre estes géneros para criar uma narrativa musical coesa?

Bem, raramente componho com a intenção de adicionar tipos específicos de música - este género, aquele género, e assim por diante. Na verdade, isso acontece muito naturalmente, mais como um embelezamento. Começo sempre com uma base definida: rock, folk, clássica, etc. Depois, em cima desta base, adiciono outras influências para criar profundidade e riqueza musical. E, para ser sincero, às vezes surpreendo-me a mim próprio. Crio algo, deixo-o repousar e depois ouço-o novamente 3-4 dias mais tarde, pensando: “Oh, fui eu que fiz isto? Sim, é fixe, funciona!” E, por vezes, acho que é horrível (risos)! O ponto principal é que faço as coisas à minha maneira. Nunca tento copiar as ideias ou métodos de outras pessoas. Mas isso não quer dizer que não seja influenciado. Acho que se pode ouvir na minha guitarra que gosto muito do David Gilmour e do Brian May - se calhar até demais (risos)! Mas não estou a tentar imitá-los. Estou a tentar captar as emoções que eles despertaram em mim. E na composição é a mesma coisa: procuro uma emoção em particular e depois pergunto-me: como é que a consigo? Como resultado, por vezes, torna-se um pouco menos coerente, mas tento sempre corrigir isso depois de ouvir algumas vezes ou se alguém me chamar a atenção para o facto. Por vezes funciona, outras vezes não. Penso que isto também se deve à minha formação musical. Não é muito diversificado em termos de géneros. Em casa, é sobretudo rock e seus derivados (prog, metal, hard rock, pop inglês, etc.), clássica (especialmente barroca, Bach, Vivaldi) e folk. Ouço muito poucos outros géneros. Por isso, a minha paleta de escrita também não é muito variada e talvez por isso seja mais fácil conciliar estes géneros, uma vez que estou tão habituado a ouvi-los.

 

Os arranjos deste álbum são complexos e diversificados. Como é que abordaste o processo de composição, especialmente no que diz respeito ao uso de escalas e harmonias?

É super simples: Eu não penso demais nas coisas. Nunca conto quando componho, e nunca tento aplicar a teoria musical às harmonias. Vou apenas para onde a música e a minha mente me levam. Parece muito estúpido e piroso dizer isto, mas é tão verdadeiro! Estou habituado a ouvir música harmonicamente rica e profunda, graças à música clássica (e não só). Por isso, tento seguir esse caminho usando os meus próprios instintos. O mesmo se aplica às fórmulas de compasso. Ao ouvir música complexa, penso que o meu subconsciente gravita naturalmente em direção a escolhas menos “óbvias”. Muitas vezes, tive músicos que me apontaram coisas, dizendo: “Ei, isto está em 7/4!”. E eu penso: “A sério? Não sabia disso (risos)!” Por exemplo, com Mahaut, foi o meu violoncelista que me chamou a atenção para o facto de toda a introdução ser em 5/4. Eu estava a pensar porque é que estava a ter dificuldades em cantar enquanto tocava guitarra! No final, não sou eu que acho complicado - são as pessoas com quem trabalho que por vezes têm dificuldade em compreender e contar. Especialmente porque nem sempre conheço os métodos padrão e, por vezes, tenho a minha própria forma de contar, o que pode ser bastante confuso. E sim, gosto muito de me desafiar quando componho, de me esforçar para ir mais longe - mas nunca com teoria musical. Para mim, a vida é limitada pela teoria. No entanto, devemos ser sempre curiosos, procurar harmonias variáveis e descobrir novos acordes (que muitas vezes nem consigo nomear, risos). Esse é o conselho que eu daria: ser curioso, mesmo sem saber o básico.

 

Dada a natureza complexa do álbum, podes falar sobre o processo de gravação e mistura? Como é que trabalhaste com o Lucas Biguet-Mermet e o Antoine Pillemy para atingir o som desejado?

Com muito prazer! Adoro questões técnicas! Assim, no que respeita à gravação, fui eu que tratei de grande parte do processo. Tenho formação como engenheiro de som, tenho o meu próprio estúdio em casa, por isso tenho as competências e o equipamento para gravar todos os instrumentos “mais fáceis”, como violoncelo, guitarras acústicas, vozes, etc. No entanto, para instrumentos mais complexos como a bateria, o Lucas (que também é o baterista e misturou algumas faixas) ficou encarregado. Ele gravou o Simon para as faixas Change e Poussières Éternelles, assim como ele próprio para a primeira parte do álbum. Para as guitarras eléctricas, levei as coisas para um novo nível. Longe vão os dias dos amplificadores antiquados com microfones à frente dos altifalantes - agora tudo é feito utilizando a simulação de cabina com um Torpedo. Isto aplica-se tanto às minhas guitarras como às do outro guitarrista, Charlie, que é também o meu melhor amigo. Esta abordagem reduz a imprevisibilidade e abre mais possibilidades. Com um multi-efeito digital, é possível fazer muito com o som hoje em dia... e eu adoro isso. Para mim, os amplificadores antiquados são uma coisa do passado! Quanto à mistura, trabalhei com uma equipa que conhecia bem, com cada pessoa a ter a sua própria área de especialização. O Lucas e eu já tínhamos colaborado na parte mais negra do meu primeiro álbum, por isso confiei-lhe a parte mais negra deste. Tinha em mente o som da banda The Dear Hunter - rock, moderno, mas não demasiado comprimido, deixando bastante vida na música. O Antoine e eu trabalhámos juntos no meu EP acústico (em Trio), e gostei muito do trabalho dele. Foi por isso que lhe pedi para trabalhar na parte mais brilhante do álbum, que tinha mais influências acústicas. E é claro que ambos fizeram um trabalho incrível! Para que tudo ficasse coeso, todo o álbum foi masterizado pelo Antoine. Isto permitiu-lhe equilibrar as misturas do Lucas com as suas próprias, de modo que o som geral se mantivesse consistente, sem diferenças significativas entre as duas partes.

 

Colaboraste com vários artistas neste álbum. De que forma é que essas colaborações influenciaram o som final do disco?

Bem, estas colaborações influenciam muito o som final. Gosto de dizer que este álbum é um esforço colaborativo. Posso ser o maestro principal, mas permito aos artistas com quem trabalho muita liberdade. Por exemplo, no que diz respeito às letras, posso ter uma ideia em mente, mas não escrevo muito. Eu forneço a direção, mas a letra precisa vir do cantor – é mais pessoal para eles, mais sincera e, em última análise, mais emocional. O mesmo se aplica às linhas vocais. Embora escreva muitas delas, deixo bastante espaço para interpretação, para que os cantores possam fazer as suas próprias peças, permitindo que se tornem tanto deles como minhas. Há até passagens em que tenho ideias mas prefiro ouvir primeiro as sugestões do cantor. Muitas vezes acabo por preferir as ideias deles e torna-se uma composição partilhada. Tive mesmo de mudar os acordes porque os cantores alteraram um pouco as melodias, o que exigiu ajustar a harmonia por detrás das mesmas. Gosto muito deste trabalho colaborativo. Acontece o mesmo com os outros instrumentistas. Com o Lucas na bateria, partilhei as minhas sugestões e juntos construímos as suas partes. Passámos cerca de quatro horas por faixa a refinar tudo. A sua bateria carrega toda a sua experiência pessoal, e é fantástica – trouxe realmente uma verdadeira sensação de rock. O mesmo acontece com Simon nas faixas mais suaves. Para instrumentos mais harmónicos como Lucie no violoncelo e Charlie na guitarra, é exatamente o mesmo processo. Houve muitas secções onde imaginei intervenções harmónicas que eu próprio não poderia ter executado, ou onde imaginei um solo de guitarra, mas não tive uma ideia concreta. Charlie fez estas partes completamente suas, criando os seus próprios solos e secções de guitarra. O importante nisto tudo é que estas ideias sirvam para o direcionamento da peça. Precisam de servir a música, não os egos individuais – incluindo o meu. Tenho a sorte de trabalhar com artistas que abraçaram esta abordagem!

 

Com o lançamento de Hope Despite Everything, quais são os teus próximos empreendimentos artísticos? Há alguma nova direção ou tema que queiras explorar nos teus projetos futuros?

Bem, já comecei a trabalhar no próximo álbum. Há já algum tempo que ando a brincar com a ideia de fazer um álbum mais acústico e mais orgânico. Já tenho algumas músicas, quase o suficiente para um álbum completo, mas ainda há muito para refinar – as composições, as letras, a estruturação de tudo e depois todos os arranjos. Gostaria muito de incorporar instrumentos mais clássicos – cordas, metais, instrumentos de sopro, talvez até harpas. Em breve passarei um dia em estúdio com a Lucie para experimentar algumas faixas de violoncelo, marimba e vibrafone. Vai ser fantástico! (Sim, nunca uso VSTs – preciso de instrumentos reais, da vida real e da experiência de tocar com eles). Não haverá nenhum conceito específico para este álbum para além de me divertir com os amigos, entregar-me e explorar géneros nos quais não me aprofundei tanto antes. Não haverá rock e quase não haverá bateria. Servirá como uma pausa na minha trilogia claro-escuro e rock antes de regressar daqui a alguns meses para o quarto álbum, que encerrará a trilogia. Já tenho a maior parte da história delineada, pois será um verdadeiro álbum conceptual – quase como uma ópera rock. Quero alargar ainda mais os contrastes, começando com uma personagem louca e passando de uma faixa mega-dark para algo ultra-feliz e inesperado. Como tenho todas as faixas, vou tratar da mistura para lançar uma performance ao vivo em 2025. Acho que seria fantástico! Adoro atuações ao vivo, por isso seria muito giro lançá-lo via streaming e em versão física. Estou também a pensar lançar um novo EP acústico, uma espécie de Trio 2, com arranjos ainda mais elaborados. Ainda não tenho a certeza, mas está definitivamente em andamento! Digamos que não me faltam ideias – é apenas uma questão de tempo e dinheiro!

 

Para apresentações ao vivo tem dois formatos. Podes falar sobre eles e os objectivos com cada um deles?

Sim, de facto, tenho dois formatos. Foram de certa forma influenciados pela crise dos COVID, por considerações financeiras e pelo meu amor pelo risco e pela música! Tenho um formato de trio acústico com a Lucie no violoncelo, eu na guitarra e a Charlotte na voz. Cobrimos todo o repertório dos dois álbuns, bem como outros títulos dos Hegoa e alguns covers. Adoro atuações ao vivo que diferem significativamente das versões de estúdio, e este formato certamente cumpre nesse aspeto! Concentramo-nos em emoções mais profundas e íntimas, e os arranjos refletem isso. E cuidado: Charlotte e Lucie estão num nível incrível. Ambas são músicas que transmitem muita emoção através dos seus instrumentos. Tenho várias sessões ao vivo disponíveis online, incluindo um cover de Hijo De La Luna, que é realmente excelente. O outro formato é um combo de rock. Com o Lucas na bateria, a Lucie no baixo ou no violoncelo, o Charlie na guitarra ou no baixo, eu na guitarra e a Charlotte na voz. Esta configuração é muito mais virada para o rock. Aproxima-se mais dos álbuns, mas com energia crua. Devo admitir que é incrivelmente divertido usar a guitarra elétrica ao braço e, por vezes, sentir-me como um guitar hero. E com uma equipa tão fantástica, o poder de tocar esta música é fenomenal – é realmente ótimo! Nesta configuração, pretendemos entregar a energia do rock ao público, sempre com um toque de poesia, claro. Mas procuramos realmente emoções mais cruas. Lancei também duas sessões ao vivo neste formato que são realmente lindas e das quais tenho muito, muito orgulho!

 

Obrigado, Gabriel, mais uma vez. Queres enviar alguma mensagem aos nossos leitores ou aos vossos fãs?

Obrigado por estas perguntas. É raro receber perguntas tão profundas e informativas sobre o meu trabalho. Por isso, a sério, obrigado, obrigado, obrigado! Deixa-me feliz e dá-me a hipótese de refletir e me expressar. Para todos os leitores, se gostam de Pink Floyd, Opeth, Porcupine Tree e bandas similares, não hesitem em espreitar os meus dois álbuns e o meu EP. Encontrarão uma mistura de rock, um toque de metal, pop e um toque de música clássica. E, acima de tudo, vozes que vos irão levar! Sintam-se à vontade para visitar também a minha página no YouTube. Apresenta atuações ao vivo, sessões ao vivo, vídeos divertidos onde falo diretamente para a câmara, solos de guitarra e muito mais! Também podem visitar o meu site para comprar os meus álbuns em edições standard ou de colecção (numeradas à mão, claro) e explorar muitas outras ofertas. Obrigado por lerem até aqui e espero vê-los em breve para novas aventuras!

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