Entrevista: Mad Painter

 

Entre diálogos de Hammond e guitarra, harmonias vocais e desvios pelo space disco, os Mad Painter continuam a explorar o espírito aventureiro dos anos 70. A propósito de Island Poetry, o seu terceiro álbum, Alex Gitlin falou-nos sobre uma banda mais coesa, os acidentes criativos que ficam nas canções e a vontade de dar novos caminhos às influências de sempre.

 

Olá, Alex, e bem-vindo a Via Nocturna 2000! É um prazer ter os Mad Painter connosco. O vosso terceiro álbum, Island Poetry, parece um disco que poderia ter sido descoberto num arquivo esquecido dos anos 70. O que achas da evolução da banda e o que é que este novo álbum representa na vossa trajetória?

Acho que o Island Poetry representa uma fase mais focada para os Mad Painter. O Splashed era um álbum de 17 faixas composto por material escrito em momentos diferentes e, em termos de estilo, era muito abrangente, quase «tudo e mais alguma coisa». O Island Poetry é mais coeso, um pouco mais pesado e, acima de tudo, um esforço muito mais coletivo. A maior parte do material foi escrito especificamente para este álbum, embora haja exceções. Stand Your Ground remonta a 2017, enquanto Empty Bottles foi escrita em 2021 e já estava a ser tocada antes do lançamento de Splashed. Portanto, nesse sentido, a evolução consiste em passar da compilação de uma grande coleção de ideias diferentes em Splashed para a criação de um álbum que parece mais próprio de uma banda específica num momento específico. Continua a percorrer o hard rock, o rock progressivo, o glam, o metal, a space disco e outros territórios, mas acho que há uma identidade comum mais forte a mantê-lo coeso.

 

Como vimos, ao contrário de Splashed, que combinava composições mais antigas e mais recentes, Island Poetry foi escrito em grande parte a pensar na formação atual. Como é que isto alterou o vosso processo criativo e quanta liberdade tiveram os outros músicos para moldar as canções?

Uma coisa interessante sobre o nosso processo criativo é que o nosso guitarrista, Al Naha, é, em grande medida, o nosso guardião do tempo e do arranjo original. A sua instrução favorita é, essencialmente: «Faz como na demo!» Ele gosta de se manter fiel à demo original, incluindo momentos em que algo pode ter acontecido quase por acidente, e depois insiste para que consolidemos esse arranjo específico como a estrutura final da canção. Ironicamente, isso pode resultar em algumas reviravoltas muito interessantes e espontâneas que se tornam partes permanentes da composição. Os outros geralmente seguem o fluxo, embora, de vez em quando, alguém tenha uma ideia interessante (um final, por exemplo) que acaba por ser incorporada no arranjo final. Portanto, há liberdade dentro da banda, mas também existe um forte desejo de preservar tudo o que conferiu carácter à demo original.

 

O álbum soa notavelmente orgânico, quase inteiramente analógico, apesar de ter sido gravado com tecnologia moderna. Captar aquele calor vintage foi um objetivo deliberado da produção, e onde traçam a linha entre preservar as imperfeições do rock clássico e tirar partido das possibilidades modernas de gravação?

O calor fazia certamente parte do som que queríamos, mas «analógico» não deve ser interpretado de forma demasiado literal. O álbum foi gravado faixa a faixa por Tom Hamilton na Lowell Street Sound, em Peabody, Massachusetts, e foi também o Tom quem o produziu e misturou. Utilizámos tecnologia de gravação moderna (Pro Tools e plugins) em vez de fazermos um disco autenticamente totalmente analógico. O que importa para mim é o resultado: algo acolhedor e natural, em vez de clinicamente perfeito. A tecnologia moderna é extremamente útil, mas não há razão para que tenha de retirar toda a personalidade de uma interpretação. O objetivo era, essencialmente, utilizar métodos de gravação contemporâneos sem perder o carácter associado aos discos que adoramos.

 

O órgão Hammond é absolutamente central para a identidade dos Mad Painter, competindo frequentemente com a guitarra. Como é que desenvolves estes diálogos sem transformar as canções em exibições intermináveis de virtuosismo?

Essa relação entre o Hammond e a guitarra é muito importante para os Mad Painter. Não encaro o Hammond como algo que se limita a ficar atrás da guitarra a preencher os acordes. Ele pode conduzir o riff, proporcionar harmonia e textura, tornar-se um instrumento principal ou responder diretamente à guitarra. Às vezes, a guitarra assume o primeiro plano e, outras vezes, é o Hammond que o faz. Isso cria naturalmente uma espécie de conversa e, ocasionalmente, uma competição, entre os dois instrumentos. O objetivo não é ter toda a gente a fazer solos sem parar; é deixar que os papéis se alternem dentro da canção. Essa interação é uma parte importante do som da banda.

 

A vossa música transita com facilidade entre o hard rock dos Deep Purple, o boogie dos Status Quo, a teatralidade dos Queen e os territórios mais sofisticados do rock progressivo britânico. Com tantas influências reconhecíveis, como é que garantem que os Mad Painter desenvolvem a sua própria personalidade?

Certamente não tentamos disfarçar as nossas influências. Os Deep Purple, os Uriah Heep, os Status Quo, os Queen, os Rainbow, os Wishbone Ash, os Motörhead e grande parte do rock britânico daquele período fazem genuinamente parte do nosso vocabulário musical. Mas essas influências não se manifestam todas da mesma forma. Debt Collector e Suit Of Worries têm uma forte ligação aos Deep Purple; Empty Bottles vem da linha dos Status Quo; Shadow Of The Words tem uma influência dos Queen; e Nektarized vai por um caminho completamente diferente, rumo ao space disco. Outras canções aventuram-se no heavy metal, no rock progressivo ou em territórios mais jazzísticos. Acho que a personalidade dos Mad Painter advém da combinação desses elementos diferentes na mesma banda, nas mesmas vozes, nos arranjos impulsionados pelo Hammond e nas nossas próprias canções. Somos influenciados por esse período, mas não nos limitamos a reproduzir uma banda ou um estilo em particular.

 

Nektarized é uma das composições mais intrigantes do álbum, com estruturas rítmicas invulgares e mudanças inesperadas de direção. O título é uma homenagem direta aos Nektar, ou há algo mais por trás disso? E quão importante é a experimentação numa banda tão profundamente enraizada no rock clássico?

Sim, a ligação aos Nektar é absolutamente intencional, mas há uma reviravolta. Nektarized é uma homenagem invulgar aos Nektar, na qual a letra é construída a partir de títulos de álbuns e canções dos Nektar. Musicalmente, porém, a faixa não é simplesmente uma tentativa de soar como os Nektar. A referência musical está muito mais próxima do som space-disco dos Ganymed do final dos anos 70. Assim, o título e a letra apontam numa direção, enquanto a inspiração musical aponta para outro lado. Esse tipo de experiência encaixa-se perfeitamente no Island Poetry. Estar enraizado no rock clássico não significa estar restrito a uma única fórmula. Neste álbum, podemos passar do hard rock com forte presença de Hammond para o metal, o glam, a música atmosférica, um shuffle com toques de jazz e algo como Nektarized, mantendo sempre o som da mesma banda.

 

Um dos pontos fortes do álbum é a sua capacidade de mudar de caráter sem perder a coerência. Estes arranjos surgem naturalmente ou desafiam-se conscientemente a ir além das fórmulas familiares?

Essas mudanças surgem geralmente de forma espontânea durante os arranjos, em vez de resultarem de qualquer decisão consciente de que precisamos de tornar uma canção diferente apenas pelo prazer de ser diferente. Essa é uma das coisas de que gosto na forma como a banda funciona. Um arranjo pode tomar um rumo inesperado simplesmente porque algo acontece durante o ensaio, alguém toca algo de uma forma particular ou uma característica acidental da demo original passa a fazer parte da canção final. Portanto, a variedade não é calculada. Desenvolve-se naturalmente a partir do material e da forma como os músicos reagem ao mesmo.

 

As melodias e as harmonias vocais são outro grande ponto forte deste álbum. Acham que esta dimensão melódica merece tanta atenção quanto a identidade mais pesada da banda, impulsionada pelo Hammond?

Sem dúvida. O Hammond e o lado mais pesado da banda podem ser os elementos mais imediatamente percetíveis, mas a melodia e a harmonia vocal são uma parte muito importante do Island Poetry. O álbum não pretende ser uma série de doze demonstrações de órgão e guitarra pesados. Os Queen são uma das influências na nossa formação musical, e o álbum contém muito material em que a melodia, a atmosfera e as vozes sobrepostas são tão importantes quanto o peso instrumental. Para mim, essas não são identidades separadas. São partes diferentes do vocabulário da mesma banda.

 

Seis canções contam com letras do escritor e jornalista musical Dmitry M. Epstein. De que forma trabalhar com as palavras de outra pessoa afeta a vossa composição? As letras dele alguma vez vos obrigaram a abandonar uma ideia musical inicial e a explorar uma direção completamente diferente?

O Dmitry M. Epstein escreveu as letras de seis das doze canções do Island Poetry, e a nossa colaboração foi-se desenvolvendo ao longo do tempo. No início da colaboração, a abordagem era mais centrada na melodia, enquanto que, mais tarde, o Dmitry também me enviava poemas e eu compunha música para eles. É uma forma interessante de trabalhar, porque se está a responder a uma linguagem que já tem o seu próprio ritmo, imagética e estrutura, em vez de simplesmente escrever palavras para se adequarem a uma peça musical já existente. Mas não, as letras dele nunca me obrigaram a abandonar uma ideia musical inicial e a recomeçar numa direção completamente diferente. A primeira vez que leio uma das suas letras, tenho tendência a «ouvir» a música de uma determinada forma na minha cabeça. A melodia flui naturalmente das palavras, e é assim que a canção nasce.

 

Encerram o álbum com uma interpretação de Circle Of Hands, dos Uriah Heep. Tendo em conta a forte influência que estes exercem na música dos Mad Painter, por que razão optaram por uma abordagem tão respeitosa? E o que faz com que esta canção em particular seja a conclusão ideal para Island Poetry?

Os Uriah Heep são particularmente importantes porque são uma daquelas bandas em que as origens musicais dos membros dos Mad Painter realmente convergem. Circle Of Hands já fazia parte do nosso repertório ao vivo, por isso não foi um cover escolhido arbitrariamente no final da gravação do álbum. Abordámo-la com respeito e de forma bastante fiel, em vez de tentarmos transformá-la em algo irreconhecível. Às vezes, uma canção não precisa de ser desconstruída simplesmente para provar que se é capaz de o fazer. E, como faixa de encerramento, confere ao álbum aquele clássico sentido de grandiosidade dos Uriah Heep. Funciona tanto como uma homenagem como uma afirmação de uma das origens musicais dos Mad Painter.

 

Quais são os vossos planos para promover Island Poetry ao vivo? E com a Epictronic a ajudar-vos a chegar ao público europeu, será realista esperar ver os Mad Painter a atuar na Europa, talvez até em Portugal?

Planeamos continuar a tocar por toda a Nova Inglaterra sempre que tivermos um compromisso, incluindo Massachusetts, Rhode Island, New Hampshire e Connecticut. Acabámos também de regressar de dois espetáculos na área de Nova Iorque: o Parkside Lounge, em Manhattan, e o Famous Food Festival, em Long Island. O Famous Food Festival foi o maior palco em que já tocámos, com o maior público perante o qual já nos apresentámos até agora. Foi uma verdadeira emoção. A Epictronic é uma editora italiana e o facto de a termos a bordo dá certamente aos Island Poetry a oportunidade de alcançar mais ouvintes na Europa. Mas no que diz respeito às digressões, de momento não temos planos de nos aventurarmos fora dos Estados Unidos. Por isso, infelizmente, ainda não posso prometer Portugal!

 

Alex, obrigado por partilhares as tuas reflexões com a Via Nocturna 2000. Antes de terminarmos, o que gostarias de dizer aos nossos leitores, especialmente àqueles que ainda acreditam que o espírito aventureiro do rock dos anos 70 ainda tem muitas histórias para contar?

Muito obrigado pelo convite e por terem dedicado tempo a ouvir o álbum com tanta atenção. A quem acredita que o espírito aventureiro do rock dos anos 70 ainda tem histórias para contar, eu diria: nós também. Para nós, amar esse período não significa tratá-lo como algo preservado atrás de um vidro. Esses sons, como órgãos Hammond, guitarras potentes, harmonias vocais, ideias progressivas, riffs de hard rock e melodias fortes, continuam perfeitamente capazes de se transformar em música nova. É precisamente disso que tratam os Mad Painter. Sabemos de onde vem a inspiração, temos orgulho dela e estamos interessados em ver até onde a podemos levar.