Entrevista: Belle Morte

Com uma sonoridade que combina a grandiosidade do metal sinfónico com influências góticas e um toque melancólico, os Belle Morte têm vindo a afirmar-se como um nome singular dentro do género. O novo álbum, Pearl Hunting, amplia ainda mais essa identidade, incorporando instrumentos étnicos e explorando novas paisagens sonoras. Nesta entrevista, Anastasia Schebrova, aka Belle Morte, vocalista e mentora do projeto, fala sobre o processo criativo por trás do disco, a integração de elementos e músicos da música tradicional, onde se inclui o nosso compatriota Ruben Monteiro, e as colaborações internacionais que ajudaram a dar forma a esta jornada musical.

 

Olá, Anastasia, obrigado pela disponibilidade. Antes de mais, podes apresentar o teu projeto aos metalheads portugueses?

Olá, Pedro, com todo o gosto. Belle Morte é uma banda de metal sinfónico com influências góticas e melancólicas. A nossa música combina melodias contagiantes que vão ficar na tua cabeça durante todo o dia, com arranjos orquestrais intrincados e com várias camadas que te convidam a mergulhar mais fundo e a descobrir algo novo a cada escuta. Não nos preocupamos muito em seguir regras de género, preferimos concentrar-nos em fazer uma grande canção, mesmo que isso implique sair das ferramentas familiares e brincar com outros géneros. O nosso último álbum, Pearl Hunting, aventura-se em novos territórios, com instrumentos étnicos e colaborações com músicos talentosos de todo o mundo.

 

E podemos começar, precisamente por aí. Em Pearl Hunting, o vosso novo álbum, exploram várias tradições musicais com um conjunto impressionante de instrumentos étnicos. Podes partilhar a forma como o conceito de “caça às pérolas” se relaciona com os temas e a paisagem sonora do álbum?

O conceito de “caça às pérolas” serve como metáfora para a forma como abordámos a composição deste álbum. Sentimo-nos literalmente como se estivéssemos à procura de joias escondidas em todos os cantos do mundo. Por vezes, abríamos um mapa para nos inspirarmos e explorávamos diferentes regiões, procurando os sons únicos que podiam oferecer. Cada colaboração e cada instrumento tornou-se a sua própria pérola: algo raro e precioso.

 

Como já foi dito, o álbum tem influências claras das tradições musicais orientais, com instrumentos como o koto, o shamisen e o gamelão. Como é que abordaste a integração destes elementos numa estrutura de metal sinfónico?

Incorporar instrumentos orientais foi uma experiência fascinante e variada para nós.  Fizemos um esforço consciente para mergulhar na cultura por trás de cada música, ouvindo uma grande quantidade de música folk para entender as suas nuances. Com os instrumentos da Mongólia, como o morin khuur e o canto de garganta, foi relativamente simples. Já há muitas bandas incríveis a misturar estes elementos com sucesso no metal, e funciona de forma muito perfeita. Por isso, posso dizer com segurança que tínhamos uma imagem clara na nossa cabeça de como deveria ser feito. Com a faixa japonesa foi um desafio maior. A composição japonesa tem as suas próprias regras, por isso tivemos de mergulhar numa pesquisa teórica para a compreender melhor antes de começarmos a compor a canção. A maior experiência, no entanto, foi com instrumentos indonésios como o suling e o gamelão. Era um território completamente novo para nós, pois não sabíamos quase nada sobre a música tradicional indonésia. Felizmente, tivemos o fantástico Maulana Malik Ibrahim do nosso lado, que não só partilhou o nosso entusiasmo pela ideia como também nos guiou ao longo do processo.

 

Voltando a essa canção que aborda o folclore japonês, Jorōgumo. Podes dizer-nos mais sobre a forma como os elementos mitológicos ou literários influenciaram as letras e o ambiente do álbum?

Sempre gostámos de incluir elementos folclóricos e mitológicos na nossa música, a começar pelo nosso EP, Game On. Dito isso, estamos atentos para encontrar um equilíbrio entre os aspetos fantásticos e literários nas nossas músicas. É fácil cair na armadilha de reciclar tropos familiares, como vampiros ou lobisomens, uma e outra vez. Não me interpretem mal, nós adoramos essas coisas! Mas estamos empenhados em evitar os clichés e, em vez disso, procuramos trazer algo fresco e único, explorando histórias que ainda não foram contadas centenas de vezes. Para Jorōgumo, passámos muito tempo à procura da inspiração perfeita para a nossa canção de temática japonesa. Quando nos deparámos com o mito de Jorōgumo, um demónio-aranha que atrai as suas vítimas com a sua beleza, sentimos imediatamente que era a combinação perfeita para nós. É sombrio, misterioso e tem uma elegância sinistra que complementa lindamente o ambiente do álbum. Outro exemplo é Willow. Embora existam inúmeras canções sobre vampiros, queríamos criar uma história que parecesse pertencer ao folclore, mas que fosse inteiramente construída por nós. É tudo uma questão de dar a essas influências mitológicas o nosso próprio toque.

 

Com uma variedade tão grande de instrumentos tradicionais utilizados, houve algum desafio em particular durante as fases de gravação ou produção?

Sem dúvida, houve alguns desafios, sendo o mais óbvio o logístico. Com todos os participantes espalhados pelo mundo, não nos pudemos dar ao luxo de nos reunirmos no mesmo estúdio e experimentarmos sons juntos em tempo real. Houve momentos em que desejámos poder estar todos no mesmo sítio, a explorar ideias e a ajustar arranjos no local. Mas suponho que esse é um desafio inevitável para um projeto como este. Outro desafio foi compreender as limitações e as nuances de cada instrumento. Como obviamente não tocamos todos eles, houve alturas em que tivemos ideias que não eram práticas ou mesmo possíveis para certos instrumentos. Felizmente, tivemos a sorte de trabalhar com músicos talentosos que nos puderam orientar. Ajudaram-nos a ajustar as nossas ideias de acordo com as caraterísticas naturais de cada instrumento, garantindo que tudo se conjugava de forma autêntica.

 

A colaboração com músicos internacionais é um dos pontos altos deste álbum. Podes falar-nos mais sobre os artistas convidados e como as suas contribuições moldaram o disco?

Tivemos a sorte incrível de colaborar com 18 músicos convidados fantásticos de 12 países diferentes e as suas contribuições foram cruciais para dar vida a este álbum. Sinto que é justo nomeá-los aqui e enviar-lhes todo o nosso amor e gratidão: Max Kerner, Caterina Castiglioni, Yanina Yakshevich, Ada Rusinkiewicz, Tero Kalliomäki, Ulziisaikhan Khoroldamba, Lernik Khachatrian, Ella Zlotos, Marta Masciola, Carlos Carty, Maulana Malik Ibrahim, Emma Spinelli, Ruben Monteiro, Hisashi, Reigen Fujii, Souzan Kato, Alex Pilkevych e Yaroslav Dzhus. O nosso primeiro colaborador foi o músico finlandês Tero Kalliomäki, e a experiência foi tão suave e inspiradora que abriu a porta a outras colaborações. De muitas formas, estas colaborações foram para além da simples gravação; pareceram intercâmbios culturais que expandiram os nossos horizontes musicais.

 

E também tens um colaborador de Portugal, certo? Podes apresentá-lo e dizer-nos como o descobriste?

Claro! O nosso querido amigo português, Ruben Monteiro, merece absolutamente uma apresentação adequada. O Ruben é um multi-instrumentista, produtor e compositor envolvido numa variedade de projetos que vão desde o rock progressivo à música mediterrânica. Recentemente, lançou um álbum de hurdy-gurdy impressionante intitulado Numero, que recomendamos vivamente a todos. Descobrimos o Ruben através de uma ligação mútua quando estávamos à procura de alguém para gravar partes de saz e oud para September. Desde o momento em que começámos a trabalhar com ele, foi amor musical à primeira vista. Ficámos completamente surpreendidos com a sua dedicação, profissionalismo e incrível talento. Por isso, quando chegou a altura de gravar o hurdy-gurdy para Willow, não tivemos de pensar duas vezes, pois já sabíamos exatamente com quem queríamos trabalhar.

 

Descreveriam Pearl Hunting como um álbum conceptual? Em caso afirmativo, que história ou tema abrangente liga as faixas?

Ao contrário do nosso álbum anterior, Crime Of Passion, que seguiu um enredo singular e coerente, Pearl Hunting é mais como uma antologia de contos. Cada música é única, inspirando-se em diferentes culturas e emoções. Embora não exista uma narrativa única a ligar as faixas, não resistimos a incorporar um fio condutor, que neste caso foi a utilização de instrumentos étnicos. Estes instrumentos unem as canções em termos conceptuais.

 

O vosso primeiro álbum, Crime Of Passion, foi inspirado em The Collector, de John Fowles. Em que é que Pearl Hunting difere em termos de processo criativo e exploração temática?

A diferença é significativa. Crime Of Passion foi concebido quase como uma ópera rock mono, com leitmotivs recorrentes e interlúdios instrumentais que criaram uma narrativa coesa e abrangente. Desde o início, tivemos uma visão clara de todo o álbum como uma história unificada e trabalhámos para dar vida a essa visão ao longo do processo de composição. Pearl Hunting, por outro lado, foi abordado de uma forma completamente diferente. Cada música foi tratada como o seu próprio projeto independente, exigindo uma abordagem única tanto para os arranjos como para a composição. O foco foi permitir que os instrumentos étnicos tivessem o centro das atenções. Cada um tem o seu próprio caráter, a sua própria “personalidade”, por assim dizer, e quisemos construir uma estrutura à volta deles que deixasse cada “pérola” brilhar, sem ser ofuscada pelos elementos mais familiares do metal sinfónico.

 

A música dos Belle Morte é muitas vezes descrita como tendo uma vibração melancólica e gótica. Como é que equilibram esse som caraterístico enquanto experimentam tantas influências diferentes neste álbum?

Acho que os elementos melancólicos e góticos estão intrinsecamente ligados à nossa música desde o início, estão nas melodias e na forma como abordamos a composição. Esse tom faz parte da nossa identidade, por isso, independentemente de onde a experimentação nos leve, esses elementos centrais tendem a manter-se. Ao mesmo tempo, estamos sempre abertos a explorar novas ideias e, por vezes, essas ideias não resultam ou podem afastar-nos demasiado do nosso som “caraterístico”. Quando isso acontece, deixamo-las de lado. Se uma experiência parecer que se afasta do que define Belle Morte, simplesmente damos um passo atrás e encontramos outro caminho.

 

Várias faixas do álbum foram lançadas como singles ao longo dos anos antes do lançamento completo. Como é que esses lançamentos anteriores influenciaram a receção do álbum como um todo? Fizeram alguma alteração significativa nessas faixas para o álbum?

Lançar singles ao longo do tempo permitiu-nos testar as águas e ver como as pessoas reagiriam à evolução do nosso som. Isso também ajudou a criar expetativa para o álbum completo. Quanto à versão do álbum, não deixámos apenas os singles como estavam; revisitámos cada um deles, ajustando os arranjos e refinando a produção para garantir que se misturavam perfeitamente com o material mais recente. Todos eles foram remasterizados para terem um som mais consistente, especialmente as guitarras e a bateria. Como estamos a trabalhar nesse álbum há quatro anos, o som naturalmente evoluiu, mas tivemos o cuidado de garantir que, apesar da diversidade de faixas, o disco como um todo ainda parece coeso e unificado.

           

A canção Krew destaca-se por incorporar a vossa língua materna e em línguas próximas. O que vos inspirou a incluir o bielorrusso, o polaco e o ucraniano e como é que isso contribui para a narrativa ou profundidade emocional da faixa?

A ideia de Krew surgiu em fevereiro de 2022, pouco depois do início da guerra. Estávamos completamente devastados e de coração partido. Como banda bielorrussa, partilhamos ligações profundas com a Ucrânia. Muitos de nós temos familiares e amigos a viver lá, por isso foi uma questão pessoal. Escrever esta canção foi a nossa forma de canalizar essas emoções complexas e procurar alguma forma de catarse através da arte. Para além de exprimirmos os nossos próprios sentimentos, queríamos refletir a proximidade de três línguas e culturas na região. Foi por isso que convidámos cantores polacos e ucranianos, Ada Rusinkiewicz (Hethet) e Alex Pilkevych, para trazerem as suas perspetivas para a faixa, bem como Yaroslav Dzhus para gravar a bandura, um instrumento folk tradicional ucraniano.

 

Como é que a vossa experiência como banda bielorrussa moldou a vossa visão artística e as histórias que contam através da vossa música?

É difícil dizer, porque não temos uma experiência alternativa com a qual a possamos comparar. Mas temos de certeza um fraquinho pela música folclórica eslava, que magicamente fala a um certo lado de nós. Somos grandes fãs da banda sonora do Witcher 3.

 

Quais são os vossos planos para subir ao palco em 2025? Como é que as atuações ao vivo influenciam a vossa música e o que podem os fãs esperar dos vossos próximos espetáculos?

Estamos neste momento a planear os nossos espetáculos ao vivo para 2025 e estamos muito entusiasmados com isso! Apresentar o novo material ao vivo é algo que temos estado a antecipar ansiosamente, mas há alguns obstáculos logísticos a ultrapassar, uma vez que os membros da banda estão espalhados por três países diferentes. Também estamos a sonhar em partilhar o palco com alguns dos músicos fantásticos que contribuíram para o Pearl Hunting, embora isso dependa das suas agendas de digressão se alinharem com as nossas.

 

Mais uma vez, obrigado, Anastasia. Queres enviar alguma mensagem aos vossos fãs ou aos nossos leitores?

A todos os nossos fãs e leitores, em Portugal e no estrangeiro, obrigado pelo vosso apoio e por terem tido tempo para descobrir a nossa música. Pusemos o nosso coração em Pearl Hunting e esperamos que ela tenha repercussões em vocês. Mal podemos esperar para vos encontrar no palco. Obrigado!