Entrevista: Ward White

 

Em Here Come The Dowsers!, o seu décimo quinto lançamento e primeiro com a Think Like A Key Music, o autor de art-rock Ward White utiliza o seu alcance elástico para desenhar personagens convincentes num ciclo de canções de Hollywood amplamente cinematográficas, percorrendo a história de Tinseltown. Um estilo de pop lírico e elevado que continua o trajeto de evocar e criar algo singular e convincente. Absolutamente delirante, Ward White fala-se deste álbum de uma forma única.

 

Olá, Ward, obrigado pela tua disponibilidade e aceita os nossos cumprimentos pelo teu novo e excelente álbum. Here Come The Dowsers! foi descrito como um ciclo de canções cinematográficas de Hollywood que mergulha na sujidade por baixo do glamour de Tinseltown. O que te inspirou a criar esta narrativa e como vês a dualidade de Hollywood a influenciar a tua música?

A imersão no mundo do cinema é inegociável quando se vive e trabalha em LA - afeta-nos osmoticamente. Sou um cinéfilo obstinado e muitos dos meus amigos e colegas mantêm a máquina de Hollywood a funcionar, por isso a arquitetura sempre me intrigou. E a dualidade de Hollywood é a dualidade da América, é a dualidade de Carl Jung, ou algo igualmente pretensioso. O que é que há para não gostar?

 

Dada a rica história de Los Angeles, tanto no cinema como na música, como é que o ambiente da cidade moldou as histórias e os sons deste álbum?

Os ambientes influenciam sempre a sonoridade de um álbum, embora eu ache que é necessário residir na cidade para ouvir realmente o impacto (como muitos artistas descobriram com tentativas mal orientadas de “obter o som” de uma determinada cidade, indo de avião para misturar). Depois de me ter mudado de Nova Iorque para Los Angeles, muitos velhos amigos foram rápidos a descrever o meu primeiro trabalho como sendo um disco nitidamente californiano. Em retrospetiva, consigo ouvir isso perfeitamente. É bastante provável que eu não tivesse escrito um álbum com estas caraterísticas enquanto estivesse a viver em Nova Iorque.

 

A tua música tem sido frequentemente comparada a artistas icónicos como David Bowie e Scott Walker, mas consegues criar algo exclusivamente teu. Como é que equilibras essas influências com a tua visão artística pessoal neste álbum?

As influências ajudam a sequenciar o nosso ADN criativo, mas não são um modelo. Muitos artistas excelentes e de grande sucesso usam as suas influências nas mangas, mas eu pessoalmente nunca tive como objetivo estar no negócio dos simulacros. Há alturas em que a perspetiva é tentadora, uma vez que as pessoas se reúnem em torno da familiaridade, mas eu vou sempre obedecer à especificidade da visão, por mais estranha que seja.

 

O próprio título do álbum, Here Come The Dowsers!, é bastante intrigante. Podes falar-nos mais sobre o conceito por detrás do título e como ele se relaciona com os temas do álbum?

Radiestesia, ou bruxaria da água, é a prática charlatã de localizar aquíferos subterrâneos usando uma vara de madeira. O desenvolvimento especulativo do sul da Califórnia dependia inteiramente da gestão da água, da aplicação e abuso dos direitos de apropriação prévia e, por vezes, de iniciativas catastróficas para redirecionar os rios existentes ao serviço da indústria e da população em crescimento. Vejo um paralelo no desenvolvimento do setor cinematográfico, apostando em vendedores ambulantes para criar uma fantasia deslumbrante, mas, em última análise, insustentável.

 

As colaborações com artistas como John Spiker e Tyler Chester acrescentam uma camada rica a este álbum. Como é que essas parcerias surgiram e que impacto tiveram no som final?

O meu baterista de longa data, Mark Stepro (dos The Wallflowers) - com quem trabalhei pela primeira vez em Brooklyn em 2008 - apresentou-me ao John e ao Tyler quando eu estava a chegar a LA. O John é um músico e engenheiro de mistura brilhante (e veterano de 20 anos dos Tenacious D), cuja acuidade para o som e atenção ao pormenor mais granular, cria uma ordem deslumbrante a partir das minhas faixas por vezes fragmentadas. O Tyler, que tocou teclados em seis dos meus álbuns e fez a engenharia/mistura do meu primeiro disco em Los Angeles, é um talento de cair o queixo que sabe o que eu quero antes de mim. Estes dois cavalheiros têm um Grammy e uma nomeação para um Globo de Ouro nos seus nomes, só no ano passado. Obviamente, não graças a mim.

 

Posso destacar canções como Cliffhanger e Johnny Fontane pelos teus estilos vocais distintos e elementos teatrais. Podes explicar-nos o teu processo criativo para estas faixas e como abordas a expressão vocal na tua música?

Costumo escrever para personagens, e o que ouvimos é frequentemente diálogo, muitas vezes abordado in medias res. Isto apresenta o desafio vocal de dar voz à personagem individual de forma a transmitir um sentido apropriado de drama, relativamente às suas circunstâncias obscuras, respeitando ao mesmo tempo a integridade melódica da canção. Toda esta confusão é ainda mais complicada pela necessidade de manter uma visão imparcial e omnisciente, filtrada pelo meu estilo vocal particular. As duas canções que mencionaste utilizam vozes diferentes sob a forma de vozes de resposta; no caso de Johnny Fontane, um coro de raparigas Zigfeld de ressaca.

 

Por outro lado, faixas como Speak, Harry e Pick Up Your Face mostram um lado mais emotivo e melódico do teu trabalho. Que emoções ou histórias tentas transmitir com estas canções, e como criaste as suas atmosferas distintas?

Speak, Harry: Em 1936, a viúva de Houdini, Bess, faz uma última sessão de Halloween no telhado do Knickerbocker Hotel em Hollywood. Nenhum contacto é feito. É irónico que, apesar de todo o seu poder de estrela, Harry Houdini nunca tenha conseguido entrar no mundo do cinema (um ou dois filmes que não conseguiram ganhar tração significativa). A transmissão radiofónica mundial da tentativa final da sua viúva de contactar o seu falecido marido foi, no entanto, puro ouro de Hollywood.

Pick Up Your Face: Uma antiga it girl, agora famosa sobretudo por uma cirurgia plástica mal feita, dá um “quê” a um entrevistador desdenhoso. A loucura fictícia da dança, The Tyrone Dip, referida na bridge da canção, foi inspirada por um mergulho profundo na Burbank Blvd, no cruzamento da Tyrone Avenue em Van Nuys. Se esse conhecimento não melhorar significativamente a vossa apreciação da música, então não sei o que fazer.

 

A tua discografia é conhecida pela sua mistura de géneros e natureza experimental. Como é que o Here Come The Dowsers! ultrapassa os limites do art rock e que novas direções exploraste neste álbum?

Não tenho a certeza se estou a ultrapassar quaisquer limites, seja como for que se faça isso - estou apenas a seguir a musa por qualquer buraco de coelho que ela queira fazer no momento. Fazes um esforço concertado para melhorar todos os aspetos do processo, referindo-te ao teu post-mortem do disco anterior para corrigir quaisquer deficiências. Isso, é claro, é um processo contínuo, e não se pretende chegar a um estado de Nirvana.

 

Tens sido elogiado pela tua proeza lírica, com alguns a descreverem o teu trabalho como um labirinto de génio lírico. Qual é o papel das letras na tua música e como é que elas interagem com a narrativa geral do álbum?

Considero-me um letrista em primeiro lugar (assumindo que há uma ordem), na medida em que começo sempre com uma única linha; a natureza dessa linha - seja um diálogo ou algo mais abstrato - dita a melodia. A partir daí, crescem em conjunto, à medida que faço tentativas furtivas de decifrar o código das palavras que estou a ouvir. No caso de um álbum temático, como o Dowsers, as letras seguirão um caminho mais estruturado.

 

Finalmente, sendo este o teu décimo quinto lançamento, de que forma reflete a tua evolução musical, e para onde te vês a seguir depois de Here Come The Dowsers!?

O arco da vida de qualquer artista é um continuum, em vez de um compêndio de oscilações e falhas. Espero que o corpo de trabalho seja visto como uma declaração completa, e não subdividido ou compartimentado. De qualquer forma, sempre preferi o processo ao produto, por isso a nostalgia não pesa muito na minha avaliação do resultado. Como Miles Davis gracejou quando lhe perguntaram porque é que, depois de ter conseguido tanto como artista, continuava a fazer novos discos: “Porque estou cansado dos antigos”.

 

O que tens planeado em termos de tours de promoção do novo álbum?

Sou uma criatura do estúdio, por isso não me aventuro a sair dos limites de Mink Hollow Road com muita frequência. Isso pode mudar no próximo ano, mas será certamente numa escala limitada. Os meus dias de bater no chão já lá vão.

 

Obrigado, Ward. Foi uma honra. Queres enviar alguma mensagem aos nossos leitores e aos seus fãs?

Parem de olhar para a internet e vão atrás de um esquilo. Aqueles cães andam a tramar alguma.