Entrevista: Seventh Station

 

Há projetos musicais que desafiam rótulos e ultrapassam fronteiras geográficas e estilísticas. Os Seventh Station são um desses casos raros. Com uma formação internacional que une músicos da Eslovénia, Turquia, Israel e Ucrânia, o coletivo pratica um metal progressivo que se alimenta da complexidade da música clássica e da intensidade do rock e do metal moderno. O novo EP, On Shoulders Of Giants, eleva, de tal forma, essa abordagem a um novo patamar que fomos perceber como funcionam as coisas no seio deste coletivo.

 

Viva, pessoal, obrigado pela disponibilidade. Podem apresentar os Seventh Station aos metalheads portugueses?

Alexy Polyansky (AP): Olá a todos! Obrigado por nos receberem. Seventh Station é uma banda de metal progressivo com uma formação internacional, originalmente formada por Dmitri Alperovich. A nossa música é uma mistura de composições complexas, riffs pesados e histórias profundas, muitas vezes explorando temas filosóficos e históricos. Gostamos de ultrapassar os limites do prog metal, combinando ritmos complexos, elementos orquestrais e uma atmosfera teatral.

 

Com membros oriundos da Eslovénia, Turquia, Israel e Ucrânia, de que forma é que essa diversidade cultural influencia a vossa música e o processo criativo?

AP: No que diz respeito às origens culturais, posso dizer com confiança que todos os membros dos Seventh Station partilham a mesma educação musical fundamental. Para além do nosso amor pela música clássica, estamos todos unidos por uma imensa paixão pela distorção. As experiências que cada um de nós tem adquirido ao longo dos anos - através do crescimento, do trabalho na indústria musical e da participação em vários projetos - só enriquece e melhora a nossa música.  Quanto ao nosso processo de colaboração, funciona exatamente como seria de esperar para pessoas que vivem em países diferentes. Telefonemas diários, dividir responsabilidades e esperar ansiosamente pelo momento em que podemos finalmente incendiar o palco com a nossa música.

 

On Shoulders Of Giants é o vosso novo lançamento, um EP de 5 faixas que reimagina obras de compositores modernos do século XX. Podem partilhar o que inspirou esta direção?

EB: Vidi, o nosso vocalista, liderou esta inspiração e ideia. É uma continuação de uma faixa do nosso disco anterior, Heal The Unhealed's The Ruthless Koba, que também era um arranjo de uma peça de Shostakovich. Tivemos esta curiosa experiência de pensamento - e se todos estes mestres compositores estivessem vivos hoje, tendo acesso à tecnologia e a toda a capacidade musical de tudo o que temos hoje, como soaria a sua música? Se tomássemos a notação como modelo, como seria uma interpretação moderna com instrumentos e tecnologia modernos? Foi um desafio criativo incrível e uma oportunidade de prestar a nossa humilde homenagem aos mestres da música que nos inspiram.

 

O EP é descrito como um “trabalho poliestilístico ousado” com temas surrealistas. Podem explicar melhor os conceitos temáticos explorados neste lançamento?

Eren Başbuğ (EB): Cada peça deste lançamento é como um lançamento teatral próprio. Se pensássemos em géneros cinematográficos, eu diria que da primeira à última peça seria: I. ação/thriller, II. terror/drama, III. comédia/absurdo, IV. romance/clássico, V. fantasia/épico. Não nos sentimos necessariamente presos às limitações de tentar encaixar algo num género ou num guarda-chuva socialmente reconhecido, mas estamos aqui para servir a história do que estamos a tentar comunicar. Alguns dos conceitos do disco, em termos cronológicos, seriam o momento muito intenso que Shostakovich estava a atravessar pessoalmente na altura em que compôs esta peça, a transmissão perfeitamente horrível da cena do Fausto por Schnittke, a abordagem divertida e envolvente de Kopetzki ao virtuosismo da marimba, o romance e o sentimentalismo de Villa-Lobos e, claro, a saga épica de Williams, que capta um grande mundo colorido da era pós-Segunda Guerra Mundial e o ADN quintessencial do folclore e da cultura ingleses.

 

O EP inclui faixas com títulos em várias línguas, incluindo português e alemão. O que é que influenciou a escolha das línguas para estes títulos?

Davidavi Dolev (DD): Sou profundamente fascinado por línguas e apaixonado pela acústica - cada vogal, para mim, contém um universo inteiro dentro de si. Depois de cantar em inglês durante tanto tempo, senti a necessidade de seguir novas direções. Como cantor, nunca me preocupei com o quão alto, baixo ou poderoso consigo cantar. Em vez disso, sinto-me atraído pelas texturas, pelas personagens que consigo dar vida através de sons desconhecidos. Queria entrar na mentalidade de um principiante - não para aperfeiçoar os sotaques, mas para explorar as expressões que emergem de cada posição vocal. Escolhi o alemão e o português porque os vi (talvez erradamente) como duas forças opostas - áspero versus suave, escuro versus doce. Também incorporei gibberish no disco, abordando a minha voz como um instrumento em vez de um solista tradicional. Por vezes, sinto que concentrar-me demasiado numa linha vocal principal pode limitar a potencial evolução de uma peça. É uma viagem que eu gostaria de explorar ainda mais.

 

O tema em português é Melodia Sentimental, uma peça de Heitor Villa-Lobos. O que vos levou a esta peça e como a adaptaram ao vosso estilo?

Dmitri Alperovich (DA): Como violonista clássico, tenho tocado muitas peças de Villa-Lobos, e ele é um dos meus compositores favoritos para o violão. Era natural que o escolhêssemos como um dos compositores que queríamos respeitar. Quando me sentei para escrever a parte do violão, vi como uma oportunidade de tentar escrever o arranjo como o próprio Villa-Lobos o faria para um violão clássico. Inspirei-me no seu 1º Prelúdio e nos seus Etudes, usando as técnicas de composição de ambos para criar a parte para violão no espírito de sua escrita. Por exemplo, no primeiro Prelúdio, o tema principal está nas linhas de baixo, e o acompanhamento está acima, nos acordes. Se ouvires com atenção o arranjo de Melodia Sentimental, vais ouvir que peguei na linha vocal e coloquei-a na linha do baixo, com a harmonia por cima. A partir daí, o Eren pegou na orquestração e encheu-a de sons de inspiração latina. Para os meus ouvidos, temos até uma homenagem a Astor Piazzolla.

 

Como foi essa experiência de cantar em português?

DD: Adorei! E espero que os falantes de português me perdoem qualquer peculiaridade do meu sotaque. Abordei o tema com profundo respeito e amor pela língua e pela cultura, chegando mesmo a ter aulas de português do Brasil para garantir que fazia o máximo de justiça possível. O português é, para mim, uma das línguas mais bonitas do mundo. Quando atuei em Portugal, há alguns anos, com o meu outro projeto (Subterranean Masquerade), conheci muitas pessoas maravilhosas que me deixaram uma impressão duradoura. Essa experiência fez-me ter a certeza de que nenhuma outra língua poderia expressar melhor a ternura que este álbum precisava para o seu toque final. Um dos meus sonhos é passar uns meses no Porto - é de facto uma das cidades mais encantadoras que já visitei.

 

Three Days In Dresden é conhecida como uma interpretação de uma peça de Shostakovich. Que desafios enfrentaram ao misturar a sua composição com elementos de metal progressivo?

DA: Não me lembro de ter enfrentado muitos desafios ao adaptar Shostakovich ao metal progressivo porque, de muitas maneiras, os dois se encaixam naturalmente. A essência do metal progressivo é ultrapassar os limites e evoluir, e Shostakovich era um verdadeiro mestre nisso - pegar num motivo simples ou dois e expandi-lo numa peça extensa e intrincada. A sua capacidade de transformar uma pequena ideia em algo monumental fez com que a sua música parecesse uma combinação perfeita para o género. O nosso maior desafio foi mesmo interpretá-la. A música de Shostakovich é tão intensa, tão cheia de emoção crua e complexidade, que exige não só precisão técnica, mas também um compromisso emocional por parte do intérprete. É preciso levar o instrumento ao limite, canalizando tanto a tecnicidade como a paixão da sua música para lhe dar verdadeira vida.

 

O EP aborda temas que se opõem à “cultura do descartável” e ao “coletivismo conformista”. Como é que estes temas se manifestam na tua música e nas tuas letras?

EB: Este disco, os compositores em quem baseámos as nossas interpretações, as seleções de peças, os arranjos, a banda e os seus cientistas/artistas loucos - quer dizer, seja qual for a perspetiva que se olhe para ele, é bastante abrangente. As raízes, a árvore, as flores e finalmente os frutos, as ideias e padrões a que nos opomos estão representados e encapsulados em todas as partes deste trabalho. É um disco exigente, cheio de mistérios, de easter eggs, de pormenores macroscópicos a microscópicos, vive no seu próprio universo e convida-nos a descobri-lo, e exige, sem desculpas, toda a nossa atenção. Sentimos o afogamento da sobrecarga que é viver num mundo de dopamina, feito à medida, que serve a sua zona de conforto perfeitamente construída, hipnotizando-o para que o seu envolvimento descartável o reduza a números, sejam eles dígitos nas redes sociais ou dígitos nas contas bancárias. Recusamos este loop preso de exploração instantânea, constante, descartável e normalizada das nossas mentes e almas - e acreditamos que este disco como uma experiência holística é um dos nossos símbolos para oferecer esta recusa fundamental.

 

O processo de gravação abrangeu vários países, com diferentes partes gravadas na Eslovénia, Turquia, Israel e Alemanha. Como é que geriram esta colaboração internacional e quais foram os desafios logísticos?

DA: Numa palavra: dinheiro. Em duas palavras: muitos voos. Estamos habituados a trabalhar internacionalmente e a colaborar à distância. Normalmente, eu escrevo a estrutura básica da canção ou do arranjo e depois trocamos ideias sobre como melhorá-la. Cada músico dá sugestões para todos os instrumentos e, juntos, construímos a versão final. O principal desafio de estarmos espalhados por todo o mundo é a distância. Não nos podemos ver tantas vezes quanto gostaríamos. Acima de tudo, somos grandes amigos e há alturas em que gostaríamos de poder ter essas conversas cara a cara, em vez de as termos por telefone.

 

Com as próximas participações em festivais na Alemanha e no Reino Unido, o que é que o público pode esperar das vossas atuações ao vivo de On Shoulders of Giants?

AP: Sinceramente, durante a nossa digressão pelos Balcãs no ano passado, já tocámos várias canções de On Shoulders Of Giants. Este ano, vamos tocar uma nova peça que nunca foi apresentada em palco antes - Three Days In Dresden. Na verdade, ela abre o novo álbum. De certa forma, estamos a continuar de onde Heal The Unhealed parou. Esta música começa como se estivesse em quinta velocidade, por isso não terão tempo para uma imersão gradual no nosso mundo. Entramos no palco e levamo-lo para lá imediatamente.

 

Mais uma vez, obrigado, malta. Querem enviar alguma mensagem aos vossos fãs ou aos nossos leitores?

DD: Beijinhos para todos! E muito obrigado por terem tirado algum tempo para ler esta entrevista, espero que tenhamos despertado o vosso interesse para ver o nosso trabalho musical, é uma viagem e tanto. Esperamos conhecer-vos pessoalmente e cantarmos juntos. Pessoalmente, devo acrescentar que tocar no clube RCA em Lisboa foi um dos meus espetáculos favoritos de sempre. Espero voltar e apresentar a Seventh Station ao vosso belo cenário.