Entrevista: Slug Comparison

 

Doug Harrison é um daqueles músicos que nunca se contenta em repetir fórmulas. Conhecido pelo seu trabalho como vocalista e guitarrista dos Fen, o canadiano encontrou em Slug Comparison o espaço perfeito para dar corpo a ideias mais pessoais e experimentar sem restrições. O novo álbum, A Battle To The End Fought On The Edge Of A Knife, mostra um artista em plena exploração criativa, entre o peso elétrico do rock direto, a introspeção lírica que sempre caraterizou a sua escrita e até os momentos em que o absurdo encontra lugar na sua música. Confiram tudo nesta entrevista.

 

Olá, Doug, obrigado pela disponibilidade. Como tens passado desde a última vez que falámos? Vamos começar com o óbvio: por que sentiste necessidade de continuar este projeto paralelo, Slug Comparison, enquanto ainda estavas totalmente comprometido com os Fen? O que te oferece este projeto artisticamente que os Fen não oferecem?

Olá, Pedro! Obrigado por entrares em contacto. Desde a última vez que falámos, tenho estado ocupado com a promoção do álbum e a preparar algumas novas gravações de Slug Comparison. Quando comecei a compor música, não tinha uma banda, portanto usei um gravador de 4 faixas para sobrepor partes e descobrir como elas se encaixavam. Apaixonei-me por esse processo. Slug Comparison nasceu da necessidade de continuar esse trabalho de composição no meu próprio ritmo e sem pisar nos calos de ninguém. Numa banda, todos os membros têm ideias que querem apresentar, mas o tempo é limitado, por isso ter um projeto solo tem sido uma forma de lidar com o excesso de ideias. Também me dá a liberdade de brincar com os outros instrumentos para apoiar o objetivo comum. Se simplificar a parte da guitarra, torna a voz mais forte, eu faço isso, sem discussão. Nos Fen, posso sugerir uma mudança na parte da guitarra, mas é o Sam que decide se quer experimentar e, se o fizer, se gosta ou não. Ele tem a sua própria voz e visão a ouvir, tal como eu tenho para os vocais, por isso, quando trabalhamos juntos nas músicas, os nossos papéis são mais compartimentados.

 

Este novo álbum soa especialmente pessoal e introspetivo. O que o motivou a fazer quase tudo sozinho desta vez, sendo responsável não apenas pelos vocais e guitarra, mas também pelo baixo e programação?

Assumi mais responsabilidades neste álbum para ter controle sobre mais variáveis e adicionar mais do que gosto às músicas. Por exemplo, em trabalhos anteriores, eu levava um baixista ao estúdio durante algumas horas e nós resolvíamos as coisas no momento. No entanto, sou lento a pensar e, com este álbum, queria mais tempo; queria dar às partes de baixo a mesma atenção que dou aos vocais e à guitarra. As minhas habilidades no baixo são limitadas, mas sei do que gosto. Uma das minhas técnicas de composição favoritas é fazer com que o baixo e a guitarra toquem algumas notas juntas, deixando espaço para que cada um toque uma nota solo aqui e ali. O verso em Wish To Adapt é um exemplo. Desta forma, os dedos fazem menos esforço, mas as partes trabalham em conjunto para transmitir uma ideia mais complexa e mais viva do que se estivessem a tocar em uníssono ou se o baixo estivesse apenas a apoiar a guitarra.

 

O baterista Flavio Cirillo junta-se a ti neste álbum, trazendo um estilo enérgico e preciso. Como surgiu esta colaboração? O que a tornou a escolha certa para este álbum?

Há alguns anos, Sam, dos Fen, mencionou que queria trabalhar com o produtor Ben Kaplan, que fez algumas gravações muito boas, incluindo The Sticks, dos Mother Mother. Para Dear Mouse, dos Fen, já tínhamos decidido trabalhar com o engenheiro Sheldon Zaharko, da Zed Productions, por isso entrei em contacto com Ben para o álbum Slug Comparison, pois queria um som diferente. O Ben recomendou o Flav porque ele é um baterista fantástico e versátil e estaria disposto a tocar uma variedade de músicas, e também porque ele e o Ben estão sempre a gravar juntos e têm um ótimo fluxo de trabalho estabelecido. Para mim, ter o Flav a gravar também significava que os álbuns dos Fen e de Slug Comparison teriam bateristas diferentes, o que fazia sentido, sabendo que os dois álbuns seriam lançados com poucos meses de diferença e precisariam ter sons distintos.

 

A Battle To The End Fought On The Edge Of A Knife é um título bastante elaborado e evocativo. Qual é a história por trás de um nome tão longo e metafórico? Como ele reflete o teu estado atual como artista?

O título do álbum é uma letra emprestada da faixa-título, que eu acho que descreve a vida de muitos músicos que levam a sério o que fazem, mas não ganham dinheiro com isso. Fazer álbuns no meio das exigências do trabalho, da família e da existência em geral requer um equilíbrio precário e uma determinação feroz. Uma das etapas mais desafiadoras nesse caminho à beira do abismo é quando finalmente percebes que não vais alcançar o nível de sucesso que esperavas, ou mesmo ganhar a vida com a tua paixão e trabalho árduo, e precisas abandonar esses sonhos. Lamentas e precisas decidir se vale a pena continuar no caminho sem eles, apenas com a música, apenas com o processo de criação. Em algumas músicas, eu lamento, mas o álbum é a minha resposta sobre se vou continuar.

 

Olhando para o CD físico, notamos uma escolha de design incomum: os títulos das faixas estão agrupados no que parece ser clusters temáticos. Foi uma tentativa deliberada de segmentar o álbum narrativa ou emocionalmente?

O crédito vai para o designer, Bailey Ennig. Eu esbocei um conceito inicial, mas ele partiu daí e provou o valor da colaboração criativa. É emocionante descobrir novas camadas de significado no seu design. Obrigado por apontares isso.

 

As músicas deste álbum foram gravadas na mesma altura que Dear Mouse, dos Fen. Como conseguiste separar as energias criativas para os dois álbuns? Houve momentos em que o material poderia ter sido usado em ambos os projetos?

Dear Mouse, dos Fen, foi um projeto de doze anos que oscilou entre ser abandonado completamente e estar a meses de ser concluído. O álbum de Slug Comparison só começou seis anos depois desse processo. Foi uma coincidência que tenham sido gravados durante o mesmo período, porque foram escritos isoladamente um do outro e em ritmos diferentes. Mesmo criativamente, eram diferentes. Para o Dear Mouse, concentrei-me nos vocais e deixei 95% do trabalho de guitarra para o Sam, cujas ideias foram a base do álbum. Tudo o que acrescentei na guitarra foi para desenvolver o que o Sam já tinha escrito, mantendo-me o mais próximo possível da sua vibração. Houve um momento, porém, em que ele não estava convencido com a música Seam Of The Heart, e eu comecei a pensar: “Bem, se ele não quer usar isso para os Fen, talvez ele me deixe pegar e usar no álbum de Slug”. Felizmente, isso não aconteceu, porque aprender a tocar as partes dele na guitarra dá muito trabalho!

 

A direção musical neste novo lançamento de Slug Comparison é mais elétrica e direta em comparação com o teu trabalho anterior, mais baseado no acústico. O que motivou essa mudança no tom e na produção?

O meu padrão é escrever canções lentas, mas desta vez eu queria fazer um disco que fosse mais rock direto. Eu estava cansado de tentar manter o ritmo num álbum em que pelo menos metade das canções eram lentas. E eu queria um álbum que pudesse sobreviver a um pouco de ruído de fundo, para o caso de o ouvinte não estar a usar fones de ouvido ou não estar perfeitamente posicionado numa sala com tratamento acústico. Tendo um conjunto de canções inacabadas para escolher, selecionei as que tinham mais energia. Depois, acelerei-as ou aumentei a tonalidade para obter mais energia da voz. Foi revigorante e o resultado ficou mais alinhado com a música que ouço.

 

Desde uma introspeção sonhadora a comentários sociais e até mesmo absurdos (Hamsters In A Tub), os temas das tuas letras variam muito. Essa diversidade é intencional ou simplesmente deixas as músicas irem livremente?

Disse-o perfeitamente: deixo a música levar-me. Quando estou a escrever partes de guitarra e melodias vocais, não faço ideia do que a música vai ser. As letras são a última parte do processo de composição e tento encontrar palavras que funcionem com o sentimento da música. O riff principal de Hamsters In A Tub tem uma estranha alegria, por isso, quando estava a improvisar melodias vocais, uma voz estranha saiu de mim. E quado chegou a altura de escrever a letra, perguntei-me que tipo de pessoa ou personagem teria essa voz e sobre o que diabos estaria a falar. Foi aí que tive de dar um salto de fé artístico e, de repente, estava a cantar da perspetiva de uma criança que adora hamsters, mas tem dificuldade em mantê-los vivos. As palavras surgiram rapidamente e, seguindo a tradição de uma canção «engraçada» no final de um álbum, eu sabia onde a colocar, mas as palavras também se encaixavam no tema da domesticidade abordado em outras canções, só que desta vez era a perspetiva da criança, em vez da dos pais/músicos. Se prestares atenção, geralmente consigo encontrar um fio condutor temático que liga cada canção ao álbum como um todo. Isso nem sempre é fácil, mas abordar a composição como descreves, deixando a música ser o guia, ajuda-me a não me repetir, o que se torna uma preocupação quando tens nove álbuns na tua discografia.

 

No comunicado de imprensa, descreves a arte do álbum como “uma confusão e um pouco feia”, representando a vida de um criativo. Podes explicar melhor de que forma a confusão visual se relaciona com o conteúdo lírico ou musical do álbum?

Os críticos costumam comparar Slug Comparison ao grunge dos anos 90, então pensei em abraçar esse estilo visualmente. Queria que a arte parecesse ter sido feita em casa com tesoura e cola, o que foi uma mudança refrescante, porque estou sempre a tentar obter a melhor gravação que posso pagar e soar o mais profissional possível. Conceitualmente, a desordem representa a vida de uma pessoa criativa (ou de qualquer pessoa) que tem muito com que lidar diariamente. Como artista, tem de cortar uma linha através da desordem se quiser que essa parte de si sobreviva. Não tem de sobreviver. É uma escolha. É uma batalha que escolhe todos os dias: uma batalha até ao fim travada na ponta de uma faca. Juntamente com a faixa-título, Undead Plots e Played For A Centipede também exploram as lutas do criativo.

 

Olhando para 2025, deste a entender que mais músicas de Slug Comparison estão a caminho. Podemos esperar uma continuação dessa energia elétrica ou vais voltar às tuas raízes «acústicas melancólicas»?

Já comecei a gravar um EP que é limpo, elétrico e/ou acústico e melancólico. A bateria já está gravada e agora cabe a mim fazer o resto. Com o EP, quis abandonar a ironia e o humor e afastar-me de temas do tipo «cozinha-pia». As canções são deprimentes, sombrias e, espero, também tenham alguma beleza. Elas começarão a ser lançadas em 2026.

 

Já tiveste a oportunidade de tocar estas músicas ao vivo? Como tem sido a receção?

Os meus espetáculos têm sido solo ultimamente, só eu e uma guitarra, e acho que só toquei a faixa-título ao vivo. Preciso mesmo me dedicar e reaprender algumas das outras. Tenho dificuldade em não saltar para trabalhar em material novo.

 

Mais uma vez obrigado, Doug. Queres enviar alguma mensagem para os teus fãs ou para os nossos leitores?

Estou muito grato a todos aqueles que ouviram os novos álbuns de Slug Comparison e dos Fen. Se alguém quiser apoiar os projetos, a melhor forma é através do Bandcamp. Tenho um número limitado de CDs de Slug Comparison e as t-shirts estão a caminho. Obrigado, Pedro!