Entrevista: Flying Circus

 

Com mais de três décadas de percurso firme e coerente, os Flying Circus chegam a uma fase particularmente significativa da sua história. Sempre fiéis a uma visão própria, entre o rock progressivo clássico e o hard rock de matriz setentista, a banda alemã nunca cedeu a tendências. E o novo álbum, The Eternal Moment, surge como uma verdadeira afirmação dessa maturidade num trabalho profundo e ambicioso. É neste contexto que voltamos a conversar com Michael Dorp, para olhar para este momento especial dos Flying Circus e perceber como o passado e o presente se cruzam nesta nova etapa criativa.

 

Olá, Michael, como estás? Em primeiro lugar, parabéns pelo vosso excelente novo álbum! Depois, o que tens feito desde a última vez que conversámos?

Obrigado! Estou a sentir-me muito bem. Desde a nossa última conversa, tem sido um período incrivelmente ocupado: naturalmente, a produção, gravação e promoção de The Eternal Moment ocuparam o centro das atenções, juntamente com a preparação/agendamento da digressão, interação com os fãs e, agora, já o planeamento de versões alternativas de algumas faixas. Entre tudo isso, houve pequenos momentos para recuperar o fôlego. Esses são particularmente preciosos, especialmente agora, na época pré-natalícia. No geral, uma fase intensa, mas muito gratificante.

 

Após 35 anos de Flying Circus, de repente a banda encontra-se mais do que nunca no centro das atenções. Da tua perspetiva como vocalista, o que mudou? Foi puramente a abordagem digital moderna da banda, ou sentes que o mundo finalmente “acompanhou” a vossa mistura particular de prog e hard rock clássico?

É uma combinação de ambos. Os canais digitais e as redes sociais certamente têm sido incrivelmente importantes para alcançar novos fãs e reconectar-nos com ouvintes mais antigos. Mas, ao mesmo tempo, o público, especialmente aqui na Alemanha, onde fazemos a maior parte da promoção, parece mais aberto agora a este tipo de música, uma mistura de prog, hard rock e experimentação musical. Talvez o mundo esteja finalmente pronto para ouvir os Flying Circus exatamente como sempre imaginámos. Este impulso também vem da profundidade e variedade dos nossos lançamentos recentes, que têm ganhado mais atenção ultimamente. Acho que isso tem a ver com o resto do mundo da música estar totalmente louco por IA. E nós somos a antítese completa disso. As pessoas reagem ao fator humano que oferecemos tanto na nossa música quanto na nossa comunicação com os fãs.

 

The Eternal Moment é o vosso trabalho mais ambicioso até agora, com o objetivo de ser uma verdadeira “grande declaração” na linhagem dos álbuns conceptuais clássicos. Em que momento perceberam que este álbum tinha que ser maior, mais profundo, quase monumental?

Ficou claro durante a fase de composição, quando as ideias individuais já eram tão complexas e interligadas que exigiam um todo maior. Quando começámos a trabalhar juntos ao vivo na sala de ensaios, tornou-se óbvio: este não é um álbum comum, é um monumento que captura os «momentos eternos» fugazes da vida. A partir desse ponto, sabíamos que tínhamos de seguir em frente com a composição, o arranjo e a produção.

 

A edição em CD inclui uma faixa bónus, The Dancing Stone. É exclusiva da edição em CD? Esta faixa bónus também está relacionada tematicamente ou musicalmente com a narrativa central de The Eternal Moment?

Sim, The Dancing Stone é atualmente exclusiva do CD porque não cabia na duração do LP, mas exatamente por isso será lançada em breve também como um single clássico em vinil de 7 polegadas. Por isso, vemos a música como parte do álbum, e eu também escrevi a letra de acordo com isso. Esta música, como todo o álbum, é sobre memórias e pessoas que carregamos connosco (pequenos “momentos eternos” da vida) e esta tem uma letra sobre os efeitos duradouros que a região onde crescemos tem sobre nós. A faixa também tem um toque pessoal, pois o nosso ex-baixista Markus Erren Pardiñas, que agora mora em Los Angeles, enviou-nos a ideia inicial da música e pediu-nos para terminá-la juntos. Portanto, é também uma reunião maravilhosa no sentido musical.

 

Um dos títulos mais intrigantes do álbum é Pilikua Akahai, que imediatamente desperta curiosidade. Podes explicar o significado ou a origem desse título incomum e como ele se conecta à direção musical ou conceptual da faixa em si?

O título vem do havaiano e traduz-se diretamente como “gigante gentil”. Portanto, o título é apenas um pequeno enigma para os ouvintes resolverem, porque musicalmente, esse título reflete fortemente as estruturas polifónicas que a banda Gentle Giant frequentemente abordava, e conta com címbalo, vibrafone e violino. A faixa é a nossa própria experiência de chamber-prog: complexa, melodicamente densa, mas altamente emocional. Ela mostra que, mesmo com uma grande variedade de instrumentos, podemos manter uma linha emocional clara.

 

Gravar os cinco músicos juntos em uma sala no lendário Dierks Studios é uma decisão ousada em 2025. O que esse processo de gravação ao vivo trouxe para o teu desempenho vocal que uma gravação mais moderna e isolada nunca poderia capturar?

A energia quando se está junto como banda numa única sala é incomparável. Reage-se a cada detalhe, cada ritmo, cada dinâmica dos outros músicos. Para a minha voz, isso significou que não estava a cantar para uma faixa pré-gravada, mas a interagir com a banda como um organismo vivo. Esses pequenos momentos espontâneos e reações emocionais simplesmente não existiriam se todos gravassem separadamente. Os vocais respiram com a banda. E tudo o resto também, é claro. E então aquele estúdio especial, com toda a sua história, também é muito inspirador.

 

Podemos dizer que o som do álbum oscila entre a grandiosidade dos Pink Floyd, Genesis ou Gentle Giant e a garra dos Black Sabbath ou Deep Purple. Vocalmente, como consegues navegar por esses dois mundos sem perder a tua identidade?

Concentrando-me, antes de mais nada, na emoção e no clima da música. A técnica e o virtuosismo são importantes, mas servem à música, não a si mesmos. Se uma faixa precisa de agressividade, eu trago essa força; se ela pede uma delicadeza progressiva, quase clássica, eu busco precisão e expressão. O equilíbrio vem da reação constante à banda, não do ajuste consciente para se adequar aos estilos.

 

Falando da tua voz, Toni “Moff” Mollo elogiou-te como o melhor cantor rock da Alemanha. Esse elogio tão grande adiciona pressão ao entrares no estúdio para um álbum conceptual como este, ou impulsiona-te criativamente?

Elogios como esse são mais uma motivação do que uma pressão. É claro que sentes um pouco de responsabilidade depois de uma afirmação como essa, mas isso incentiva-te a ser ainda mais deliberado na performance e a dar vida às músicas. Para um álbum conceptual como The Eternal Moment, isso é especialmente valioso, porque os vocais têm de transmitir uma profundidade quase filosófica.

 

Qual foi o maior desafio que enfrentaste como vocalista neste álbum – técnico, emocional ou conceptual?

O maior desafio provavelmente foi não perder a emoção em todo o trabalho conceptual. Algumas músicas são muito introspetivas e meditativas, enquanto outras têm dinâmicas e mudanças de tempo extremas. O desafio foi manter a credibilidade e emocionar o ouvinte, sem me perder ou complicar demais a música.

 

Passando para os aspetos instrumentais, a inclusão de um órgão de igreja real e um piano de cauda Steinway confere ao disco uma sacralidade analógica. Como é que a presença destes instrumentos reais alterou a atmosfera no estúdio?

Na verdade, o órgão e o Steinway não estavam no estúdio durante as sessões principais; foram adicionados mais tarde como overdubs. O órgão de igreja, por exemplo, teve de ser gravado no local, na igreja de St. Josef, na nossa antiga cidade natal, Grevenbroich. Rüdiger instalou microfones na sala para captar a incrível ressonância natural do espaço, algo que simplesmente não se consegue replicar com um instrumento de estúdio ou um sample. O Steinway foi tratado de forma semelhante, gravado separadamente para captar a sua verdadeira riqueza tonal, sem qualquer interferência de outros instrumentos, como a bateria. Mas, mesmo que esses instrumentos fossem sobrepostos, a sua presença teve um enorme efeito psicológico e musical: saber que esses sons autênticos seriam sobrepostos deu-nos a todos uma sensação de profundidade e grandiosidade enquanto gravávamos as nossas partes no estúdio.

 

Na nossa última conversa em 2022, falaste sobre o forte sentido de identidade da banda e a recusa em seguir tendências. Vês The Eternal Moment como o auge dessa filosofia?

Sim, definitivamente. The Eternal Moment é talvez a expressão mais pura da nossa confiança como banda. Fizemos o que achamos certo, sem sermos influenciados pelas tendências do mercado ou pelas correntes da moda. Este álbum é uma declaração intransigente da nossa identidade musical.

 

Nessa entrevista também mencionaste a importância da narrativa musical. Como evoluiu a tua abordagem à narrativa, especialmente num trabalho que abraça tanta profundidade filosófica?

A narrativa tornou-se mais pessoal. Anteriormente, especialmente em 1968, que era sobre vários eventos históricos daquele ano, contávamos histórias que não estavam necessariamente ligadas diretamente a nós e às nossas experiências pessoais; agora, todo o conceito lírico foi desenvolvido a partir dos pensamentos que tive depois de lidar com a morte da minha própria mãe. Talvez por isso, a música e as letras se fundem mais do que nunca, e priorizamos a emoção em detrimento da narrativa linear, especialmente em The Eternal Moment, onde a impressão geral é mais uma experiência atmosférica do que um conto literal. Nesse sentido, é mais parecido com Dark Side Of The Moon do que com The Wall.

 

Os Flying Circus sempre equilibraram a ambição prog com a acessibilidade. Tiveste receio de que o peso conceptual do novo álbum pudesse afastar alguns ouvintes, ou aceitaste o risco como parte da missão da banda?

Aceitámos conscientemente esse risco. O prog prospera na ambição, e perder a tensão entre complexidade e cativante significaria perder a nossa própria identidade. É claro que alguns ouvintes podem achar certas passagens desafiadoras, mas isso faz parte. Queríamos permanecer honestos e, às vezes, isso significa desafiar o nosso público.

 

A capa e a apresentação visual estão intimamente ligadas ao tema central da música. Qual foi a sua contribuição para a dimensão visual e o que achas que a arte comunica ao ouvinte antes mesmo de ele carregar no play?

Estive muito envolvido desde os primeiros esboços, feitos pelo fantástico artista gráfico suíço Danny Rafaniello, até ao design final, que eu mesmo concluí com os comentários dele. A arte pretende capturar a essência do álbum antes mesmo de ouvir uma única nota. Aquele sentimento fugaz, mas eterno, que permeia o disco. E o aspeto «momentâneo» do conteúdo musical é, naturalmente, refletido no «tema Polaroid» gráfico que permeia a arte. Afinal, o que melhor representa um momento visualmente do que uma foto Polaroid? Todo o grafismo pretende despertar a curiosidade e preparar emocionalmente o ouvinte antes mesmo da primeira faixa tocar.

 

Olhando para o futuro, este álbum é o culminar da jornada dos Flying Circus até agora ou o início de um novo capítulo criativo?

Ambos ao mesmo tempo. Ele consolida décadas de desenvolvimento, mas a energia criativa que sentimos durante a produção mostra que estamos longe de ter terminado. Vemos The Eternal Moment como um marco para nós mesmos e, simultaneamente, como um trampolim para novas ideias.

 

Com a banda a experimentar uma visibilidade e um impulso renovados, há planos para uma agenda de concertos mais extensa em apoio a The Eternal Moment? O que podem os fãs esperar dos futuros concertos em termos de equilíbrio da setlist, produção de palco ou da forma como este novo material poderá evoluir no palco?

Sim, vamos tocar em muitos concertos individuais por toda a Alemanha. Não uma digressão contínua, mas espetáculos em cidades importantes. O repertório misturará músicas novas e antigas, com alguns ajustes nos arranjos para o fluxo ao vivo. Alguns solos serão prolongados e certos instrumentos terão de ser alterados porque o Rüdiger não pode tocar teclado e violino ao mesmo tempo como nas versões de estúdio, por exemplo. Assim, os fãs ouvirão versões novas sem perder o caráter do estúdio. O palco e a iluminação serão atmosféricos, sem exageros, mantendo o foco na música.

 

Obrigado pelo teu tempo, Michael. Alguma mensagem de despedida que gostasses de partilhar com os teus fãs ou com os nossos leitores?

Com certeza! Em primeiro lugar, um grande obrigado a todos que nos apoiam, seja ouvindo, partilhando ou vindo aos nossos espetáculos. Mas, além disso, quero enfatizar algo mais importante: por favor, façam um esforço para assistir a pequenos concertos e espetáculos em clubes sempre que puderem. Não apenas aos grandes eventos com artistas superestrelas. Os pequenos espaços em todo o mundo estão a passar por dificuldades e precisam do nosso apoio para sobreviver. É nesses clubes que a verdadeira cultura musical prospera, onde a diversidade, a criatividade e a comunidade nascem e são cultivadas. Sem eles, corremos o risco de perder a rica e vibrante cultura musical que todos conhecemos e amamos. Apoiar esses espaços intimistas não é apenas ajudar bandas como a nossa, é preservar o próprio ecossistema que dá vida à música. Isso é extremamente importante para mim, e espero que todos os leitores levem isso a sério. Muito obrigado, tenham um ótimo fim de ano e até breve!